jueves, 24 de octubre de 2019

HOT DOG (1930)

HOT DOG (1930)


Cortometraje animado de los estudios Fleischer

Hot Dog es el cuarto cortometraje de la serie Talkartoons de los Estudios Fleischer, fue estrenado en 1930 y su personaje principal es el perro Bimbo, que luego de un par de impertinencias en la vía es llevado ante el tribunal del que se libra interpretando en el banjo el jazz St. Louis Blues.

Fiel a su época, la narración se apoya en el sonido, que es fundamental en la historia. La animación es económica y reutiliza movimientos en ciclos o loops que se acompasan con los efectos de sonido y la música. Se utiliza la técnica del Cell Animation que consiste en animación en transparencias sobre fondos fijos. Los fondos son animados en ciclos de igual forma para dar la sensación de desplazamiento. El lenguaje caricaturesco o toon,  adoptado por los hermanos Fleischer desde sus inicios, destaca con deformaciones, exageraciones y transformaciones o pequeños morph que acentúan las situaciones cómicas.

Es un buen ejemplo de cómo la animación va evolucionando paulatinamente hacia argumentos y personajes más desarrollados, apoyados en la reciente inclusión de audio para expandir los universos narrativos así como el carácter, personalidad y alma de sus habitantes.



EL CINEMATÓGRAFO

EL CINEMATÓGRAFO

Cuando hablamos de la historia de la humanidad, cada tanto tiempo algún descubrimiento científico impulsa grandes cambios y posibilita invenciones y desarrollos que transforman nuestra forma de ver el mundo y de relacionarnos entre nosotros. Marshall McLuhan, en su célebre obra Understanding Media: The Extensions of Man, afirma que estos inventos nacen como extensiones de nuestros sentidos que se terminan arraigando en la sociedad y en la cultura profundamente. A finales del siglo XIX asistimos al nacimiento de uno de estos grandes y revolucionarios inventos, el cinematógrafo

Heredero de varias tradiciones e hijo de diferentes inventos y desarrollos tecnológicos, el cinematógrafo sintetiza cientos -probablemente miles- de años de intentos por capturar imágenes en movimiento; inventos como el Taumatropo, zootropo, praxinoscopio, etc, fueron antecesores y a la vez inspiración para la creación del cinematógrafo, de la misma forma que los entonces recientes avances y desarrollos químicos aportados por el naciente arte y técnica de la fotografía, las mejoras en las ópticas creadas para esta y el antiquísimo conocimiento de la cámara oscura y de la linterna mágica se conjugan en un mismo aparato que es capaz de capturar imágenes en movimiento y también de proyectarlas sobre una superficie.


A pesar de que Thomas Alva Edison patentó el Kinetoscopio en 1981 y que aparatos similares fueron fabricados por científicos como el inglés William Friese Greene y el alemán Max Skladanowski antes que el cinematógrafo fuera presentado al público, ninguno estos era capaz de registrar y proyectar imágenes a la vez.


El 13 de febrero de 1895, Auguste y Louis Lumiere, dos hermanos franceses patentan el cinematógrafo y el 28 de diciembre de ese mismo año hacen su primera presentación en público,  en el salón Indien, del Grand Café, en el Boulevard de los Capuchinos, en París. La conocida llegada del tren a la estación, célebre por generar algo de pánico en el salón, escenas de la vida cotidiana parisiense, documentales breves y la salida de la fábrica Lumiere, marcan oficialmente el nacimiento  del séptimo arte.






lunes, 21 de octubre de 2019

Comicalamities 1928

Director: Otto Mesmer.
Genero: animación, comedia, corto.
Pais. Estados Unidos
Lenguaje: Ingles
Fecha de estreno: 1 de abril de 1928.
Creditos de producción: Pat Sullivan cartoons.
Tiempo de corto: 8 minutos.
Sonido: Mudo.
Color: Blanco y negro.


Storyline: Felix el gato es dibujado pero no queda contento con el resultado y termina el trabajo por el dibujante.

'Comicalamities':
Empieza con una mano dibujando al gato Félix incompleto, Félix no está satisfecho con el resultado, por lo que acude a un hombre que puede arreglarlo (terminar su cuerpo bien y darle su color emblemático negro).
Félix conoce a una gata que exige muchas cosas, incluido un vestido nuevo, joyas y un abrigo. Con la ayuda del animador que ocasionalmente cambia las cosas en la caricatura (o le da a Félix un lápiz para que él mismo pueda cambiar las cosas), puede darle al gato lo que quiere.

Con suficientes imágenes surrealistas, una buena manera de combinar una historia animada con la realización de los creadores que lo hizo posible y bastante humorístico (el momento después del último deseo de la mujer es divertido) este es un cortometraje animado muy interesante y muy entretenido donde se ve esa suma de lo dibujado con trucos de cámara para integrar la mano del creador con el dibujo.

https://www.youtube.com/watch?v=ipeZUbESWjE

domingo, 20 de octubre de 2019

Fenaquioscopio

Fenaquistoscopio

El fenaquistiscopio fue el primer juguete óptico que permitía reproducir el movimiento de una imagen. Se basaba en el efecto de la persistencia de la visión o persistencia retinal y fue inventado simultáneamente el 1832 por el físico belga Joseph Plateau y por el matemático e inventor austríaco Simon von Stampfer.
El aparato está compuesto por un disco giratorio de cartón con una serie de rendijas o ranuras equidistantes y una serie de dibujos que descomponen las fases de un movimiento en una de sus caras. El espectador se sitúa delante de un espejo y coloca las imágenes de cara al espejo de forma que al hacer girar el disco y mirar a través de una ranura se obtiene la ilusión de las imágenes en movimiento. La separación entre las rendijas hace la función de obturador de forma que la imagen retenida en el cerebro puede unirse con la imagen siguiente del disco, dando sensación de movimiento cuando el cartón gira a una velocidad adecuada

Había muchas versiones del fenaquistoscopio que utilizaban discos ilustrados más pequeños de cartón sin cortar, que se tenían que situar en un disco más grande con ranuras. Una variante común tenía el disco ilustrado en un lado de un eje de latón y el disco con las ranuras al otro lado; esto era ligeramente más pesado, pero no necesitabas espejo para utilizarlo y se decía que producía imágenes más claras.





Referencias:
https://www.youtube.com/watch?v=RnxCQ-KeOh4

Fotografía de Le phenaquistiscope Fotografía de Le phenaquistiscopeFotografía de Le phenaquistiscopeFotografía de Le phenaquistiscopeFotografía de Le phenaquistiscopeFotografía de Le phenaquistiscope Le phenaquistiscope Le phénakistiscope, malgré la difficulté de son nom, est un jouet simple et amusant. Fut le physicien belge du XIXe siècle Joseph Plateau, qui a inventé cet instrument et il a été basée sur la persistance de la rétine. Plateau a révélé que l'oeil humain voit à un taux de 10 images par seconde, de sorte qu'ils se chevauchent dans la rétine et le cerveau les relie pour former que d'une image visuelle mobile unique et continue . Le phénakistiscope contient en substance, alors, le principe fondamental d'un film, comme il est également basée sur la persistance de la rétine, démontré par le disque de Plateau . Les images sur le fenaquitiscopio ont été remplacés dans le film, par des images photographiques dans le celluloïd, mais le principe est le même. Son fonctionnement est très simple: placer le disque que vous voulez voir dans l'axe de l´instrument. Placez-vous devant un miroir, puis tourner la roue et de regarder l'illusion du mouvement reflète dans le miroir (Figure 4) Notre modèle se compose de 12 disques, qui sont la reproduction de l'original faite par plateau au milieu du XIXe siècle.

Dizzy dishes (1930)






Dizzy dishes es el nombre de la septima entrega de la serie "Talkatoons" producida por los hermanos Flescher y distribuida por la Paramount.
Este episodio de 6 minutos siempre será recordado por ser el primero en el que apareció el ahora famoso personaje animado Betty Boop.

Viéndolo en perspectiva, el episodio en sí, en su época podría solo ser un exponente más de la animación de los Flescher, con un sentido del humor bastante agradable. Seguimos la historia de Bimbo, el perro que ya estaba posicionado en la serie. El cual en esta ocasión hace de mesero/cocinero en un club. Al tomar la orden de uno de los comensales prepara un plato y al no poder entregárselo en un tiempo prudente, Bimbo termina por encontrarse con un personaje hambriento que lo persigue con la intención de mitigar su hambre cueste como cueste.

Si analizamos la historia, nos damos cuenta que Betty no es el foco de atención, su primera aparición la hizo como personaje secundario interviniendo en una presentación musical en la cual Betty canta e interactua con Bimbo. Al principio como personaje secundario fue en una posición como novia del protagonista, es más en su introducción el diseño presenta unas caracteristicas diferentes a lo que sería en un futuro el diseño con el cual Betty Boop sería reconocida hasta nuestros días.




















La idea al ser la novia de un perro, es que su compañera fuese de la misma especie, por lo que comenzó siendo un perrito antropomorfizado principalmente notorio por sus orejas, pero la idea del personaje ya estaba presente, pelo con peinado partido por la mitad, vestido negro, de curvas pronunciadas con una onomatopeya combinando varios "Boops"
La popularidad de Betty empezó a crecer desde ese momento tanto así que salió cada vez más en los episodios subsecuentes de Talkatoons e incluso una vez cancelado el show tuvo su propia serie de tv.

Se necesitó menos de un minuto, menos de la mitad del episodio para que Betty Boop apareciera y comenzara su historia. ¿Quién iba a imaginar el alcance que iba a tener? tanto así como para volverse un referente, un ícono de la cultura pop que puede tener el honor de estar en el imaginario colectivo aun hoy casi 90 años desde su nacimiento. Pero ya lo que vendría después con Betty, es otra historia.

Video






Dots - Norman Mclaren





Autor: Norman Mclaren
País: Canadá
Fecha de lanzamiento: 1940 (Canadá)
Productora: National Film Board of Canada (NFB)

Este corto nos puede generar varias sensaciones, pues nos muestra puntos aparentemente aleatorios en la pantalla mostrado como en conjunto con el sonido, hace alusión a una gotera, a un líquido o fluido cayendo en una superficie.

También podemos observar en este cortó animado (de casi 80 años de antigüedad) de  Norman Mclaren, una  muestra de la intención de su obra en donde se desmarca de una animación establecida por los grandes estudios de la época y ahondar más en sus técnicas de la llamada “animación experimental”.

 Esta obra pudo ser influenciada por movimientos artísticos relativamente contemporáneos en los cuales la base era el uso de la geometría (como el Neoplasticismo, suprematismo y cosntructivismo ruso) como elemento esencial de representación.

Podríamos intuir que  para  Mclaren se encuentra en el mismo nivel de importancia la imagen y el sonido en su creación, tanto así que aplico sus técnicas experimentales en la creación del sonido, pintado directamente en las pistas de audio, a esto se le denomina sonido visual o animado.

Es relevante este referente dado que nos muestra que podemos elegir caminos inexplorados en nuestro medio creativo que tal vez nos lleven a realizar aportes significativos para este y describir nuevas alternativas que generen proyectos de calidad.

“Pintar sobre la tela con pincel es un placer simple e inmediato; realizar un film debe procurar el mismo placer" Norman McLaren.

The Old Mill [1937]


The Old Mill [El Viejo Molino en español] es parte de las “Silly Symphonies” [Sinfonías tontas] de Disney.

Dura 9 minutos, incorpora la canción “One Day When We Were Young” y marca el primer uso de la cámara multiplano de Disney. Así mismo, se muestran versiones realistas de comportamientos animales, condiciones atmosféricas y el uso de timing para producir un efecto dramático en la animación.

El corto comienza mostrando varias aves en alrededor y dentro del molino, actuando naturalmente. A continuación, muestra a los murciélagos que habitan el molino saliendo por la noche. Luego se nos muestra un estanque de lirios en el cual una rana aparece y comienza a croar, para ser seguida por otras ranas y algunos grillos. Quienes continúan hasta que comienza una tormenta que perturba la tranquilidad de los habitantes del viejo molino, que a duras penas se mantiene en pie.

La tormenta va arreciando hasta que un rayo alcanza el molino y lo deja aún más maltrecho. Finalmente, la tormenta se calma y los animales del molino continúan con sus vidas.

A continuación, en este link está el corto para verlo.

Affaires de cœur [1909]



Affaires de cœur [o Asuntos del Corazón en español], es un corto animado francés, creado por Émile Cohl en 1909. Es un corto mudo [Sin voz] y tiene cuatro minutos de duración.

El corto muestra una flor de la cual surgen muchos corazones. La gran mayoría de éstos pasan a ser parte de unas cartas, mientras que dos de ellos crecen, se enamoran y a pesar de las adversidades se casan, en una parodia de una historia de amor.

A continuación se encuentra un link en el que se puede ver el corto:


The Sculptor’s Nightmare (1908)

Sinopsis

En un club político, los miembros debaten qué busto reemplazará al de Theodore Roosevelt. Incapaces de decidir, cada uno va al estudio de un escultor y lo sobornan para esculpir un busto del favorito.
En cambio el escultor gasta su pago en una cena con su modelo durante la cual se emborracha y termina encerrado en prisión. Es acá donde el escultor tiene una pesadilla en la que 3 bustos se crean a partir de arcilla de algunos políticos de la época, donde terminan por jugarle una pequeña jugarreta, apareciendo y desapareciendo.


Reseña

Wallace McCutcheon Jr  trajo a la "Vida" uno de los primeros trabajos explorando la técnica de la "Clay animation" o la animación con arcilla, técnica que usa el stop motion, pero en la que su materia prima al momento de animar como bien su nombre indica es la arcilla. 
En esta ocasión, el filme juega con la idea del estado alterado del escultor y a través de la animación con arcilla logra crear 3 bustos que van siendo construidos desde una etapa muy primitiva hasta ya la pieza terminada. 
Tambien se atreve ya al final del filme el construir una especie de duende el cual anima dandole un bailes y termina por convertirse en el busto de Theodore Roosevelt.
Como uno de los primeros exponentes en la "Clay animation" se denota una precariedad en la técnica, mostrando un paso a paso en la construcción de los bustos algo atropellado. Eso si al ver el producto terminado incluyen un efecto en las mandíbulas de las estatuas, simulando que estas hablasen.


Capturas

















Ruka (1966)

Dirigida por Jri Trinka, fué nombrada la quinta mejor película animada del mundo en 1984 por el American Film Academy.

Este hermoso film trata de la dictadura, por medio de una marioneta de ojos cansados y una inmóvil sonrisa. Está ubicada en una pequeña casa que tiene la imposibilidad de cerrarse ante las múltiples entradas de una insistente mano que señala hacia arriba, y le insiste a este protagonista en deformar la maceta que el está formando con barro, para realizar una pequeña escultura de mano.

Se ven las intenciones de la marioneta de cuidar la vida de una delicada planta, con la cual sueña convertida en una bella flor, pero es maltratada  varias veces por las forzadas entradas de esta molesta mano.

Curiosamente, esta mano le muestra a la marioneta una serie de imágenes en un televisor de diferentes  manos, las cuales parecen representar la religión, la libertad, la justicia, la fama, el poder, el poder armamentista entre otros conceptos similares.

El contexto de la película es Checoslovaquia, en medio de el poder de la Unión Soviética, por lo tanto este film realiza una crítica a la impotencia ante este tipo de dictaduras y ante la censura creativa.

Lastimosamente, luego de la muerte de su director, Ruka fué censurada durante dos décadas.





fuentes:

https://enfilme.com/ciniciados/a-escala/the-hand

https://www.youtube.com/watch?v=wrYBp3kBkCk&t=513s

El coyote y el correcaminos

El Coyote y el Correcaminos

Creado por Chuck Jones



El Coyote y el Correcaminos son los personajes de una serie estadounidense de dibujos animados creada en el año de 1949 por el animador Chuck Jones. Cabe destacar que Jones se inspiró para crear a estos personajes en un libro de Mark Twain, titulado Roughin It, en el que Twain denotaba que los coyotes hambrientos podrían cazar un correcaminos.

En una ocasión, Chuck Jones dijo, refiriéndose a dos de sus personajes más conocidos, que “el Coyote es mi realidad, y Bugs Bunny mi meta”. Los dibujos del Coyote y el Correcaminos fueron creados como una parodia de los dibujos tradicionales de “gato y ratón” (como Tom y Jerry), que eran muy populares en la época.

La ambientación de la serie en el desierto del sudoeste de Estados Unidos se asemeja a la de la serie de cómics Krazy Kat, de George Herriman. Paul Julian, quien trabajaba como pintor de decorados en el equipo de Friz Freleng, se encargaba de poner voz al correcaminos.



Los cortos de la serie tienen un planteamiento muy sencillo: el Correcaminos, un pájaro velocísimo (basado en un animal real, el ave Geococcyx californianus), es perseguido por las carreteras del desierto del sudoeste de Estados Unidos por el hambriento Wile E. Coyote.

A pesar de sus numerosas e ingeniosas tentativas, el Coyote no consigue nunca capturar o matar al Correcaminos. Muy al contrario, todas sus elaboradas tácticas terminan por perjudicarlo a él, convertido en la víctima de la exageradísima (e inocua) violencia de la serie, al comprar armamentos, trampas y herramientas de la marca ACME para aniquilar al Correcaminos.

Curiosamente, es el Coyote el personaje que despierta las simpatías de la audiencia, a pesar de ser siempre el agresor, a causa de sus continuamente inútiles esfuerzos por capturar al Correcaminos. Éste carece prácticamente de personalidad, siendo más bien el objeto inalcanzable del deseo del Coyote que un personaje propiamente dicho.

Chuck Jones había estipulado 9 reglas inquebrantables que los dibujantes y guionistas debían seguir a la hora de hacer la serie. Estas fueron publicadas en su libro de 1999, Chuck Amuck, ahora difundidas en la red.


Estas reglas son:


1. El Correcaminos no puede hacer daño al Coyote, excepto haciendo “¡Bip Bip!”


2. Ninguna fuerza externa puede hacer daño al Coyote. Sólo su propia ineptitud o la falla de los productos marca Acme.


3. El coyote podría abandonar su misión en cualquier momento. Eso si no fuera un fanático (Repetir: “un fanático es aquel que redobla sus esfuerzos cuando ha olvidado su meta” - George Santayana)


4. Nunca debe haber diálogo, excepto el “¡Bip Bip!”


5. El Correcaminos debe permanecer siempre en la ruta, sino no sería llamado "Correcaminos", lógicamente.


6. Toda la acción debe estar confinada al escenario natural de los dos personajes: el desierto del sudoeste de Estados Unidos.


7. Todos los materiales, herramientas, armas o dispositivos mecánicos deben ser de la marca Acme.


8. Siempre que sea posible, hacer de la gravedad la peor enemiga del Coyote.


9. El Coyote siempre es más humillado que dañado por sus propios fallos.


Todas estas reglas fueron ocasionalmente quebrantadas, pero ayudan a explicar el ingenioso y detallado método que había en la realización para crear una de las más graciosas y fascinantes series animadas de todos los tiempos.


Hay un solo episodio oficial en el que el Coyote logra atrapar al Correcaminos, pero esto se da en circunstancias especiales y no del todo satisfactorias, como pueden ver en este video.




Bibliografía:

http://www.novacolombia.com/nota.asp?n=2019_2_5&id=25759&id_tiponota=35

https://www.vix.com/es/btg/series/10522/el-coyote-y-el-correcaminos-las-9-reglas-del-animador-chuck-jones-para-la-serie

Tale of Tales (1979)

TALE OF TALES (1979)

Director: Yuri Norshtéin

Productora: Soyuzmultfilm


En el Los Ángeles Olympic Arts Festival en 1984, un gran jurado internacional de críticos y animadores votó este mediometraje de 1979 de Yuriy Norshtéin, Tale of Tales, la mejor película animada de todos los tiempos. En 2002, un jurado en el Zagreb World Festival of Animated Films otorgó a la película de Norshtéin el mismo honor. Sin embargo, Tale of Tales sigue siendo una obra extrañamente comprendida de brillantez minuciosa que resonará con cualquiera que esté dispuesto a dejar que juegue con su subconsciente. Es una creación a menudo melancólica que está impregnada de ambigüedad, pero tiene una cálida familiaridad, como ver un libro ilustrado de su niñez medio recordado cobrar vida ante sus ojos.


Tale of Tales



Al igual que esa otra gran película soviética de la década de 1970, Espejo de Andrei Tarkovsky, Tale of Tales es una exploración de los recuerdos distorsionados de su propio director. Con una estructura de asociación libre, la película se desplaza entre varios escenarios paralelos para crear una imagen profunda aunque oscura de una historia personal (y, por extensión, nacional). Una niña juega a saltar la cuerda con un toro, un niño come una manzana con algunos cuervos hasta que su padre alcohólico lo arrastra, las mujeres y los hombres bailan bajo la farola de un tango de la Segunda Guerra Mundial, y cada salto del registro indica que otro hombre se perdió en los estragos de la guerra, un lobo dulce pero desconfiado deambula solo por un bosque. La película se siente como una extracción cruda de la mente de su creador, lo que significa que es difícil determinar el significado preciso de las escenas individuales.


Yuri Norshtéin

Norshtéin es un pintor y cineasta (perfeccionista y que ha trabajado desde su debut cinematográfico en 1981) que cree que el potencial completo del cine de animación aún no se ha realizado, y Tale of Tales es claramente el trabajo de un hombre tratando de llevar el medio a sus límites. Cada cuadro se siente creado con mucho cariño y profundamente personal de una manera que un equipo más grande de animadores nunca podría recrear. Esta es una visualización esencial para cualquier persona interesada en lo que puede ser la animación cuando se aleja de la convención posterior a Disney. Sus imágenes vagas, pero notablemente humanas, son como recuerdos ya preparados, esperando para incrustarse en su mente. Tale of Tales es inmediatamente llamativo, pero también es una película que solo se vuelve más extraña y más bella en los días posteriores a verla.


Tale of Tales (1979). Subtitulado en inglés.


Bibliografía:
https://www.filmdoo.com/blog/2014/06/28/film-review-tale-of-tales-1979-ussr/

Les Six Soeur Dainef (1903)


Director: Desconocido
Año: 1902 (Francia) - 1903 (EE. UU.)
Duración: 3'
Producción: Pathé Frères
País: Francia

Las seis hermanas Dainef o las seis hermanas acróbatas es un cortometraje mudo,  modificado manualmente para agregar cada color a los vestuarios y la escenografía. 
Se caracteriza por tener trucos de cortes para hacer más sorprendentes las acciones de las acróbatas y denotar de dinamismo las escenas, atrayendo a la audiencia con cada uno de los saltos y movimientos que se suceden rápidamente. Estos con trucos casi mágicos que engañan al espectador dan pauta a lo que más adelante llamaremos animación y dan los primeros pasos al montaje como una herramienta de narración en el cine.





  

Fuentes:


McBoing boing, una perla escondida

La época dorada de la UPA, fuerte contrapeso a Disney, MGM y Warner Bros.



Gerald Mcboing boing es un cortometraje producido por United Productions of America
(UPA), y dirigido por Robert Cannon, y adaptada por Phil Eastman y Bill Scott.


¿De que va la historia?


Conflicto

Gerald Mcboing boing trata acerca de la aceptación y la adaptación de las diferencias
particulares de cada individuo dentro de una sociedad.

Relato

Su relato es caracterizado por Gerald McCloy, un niño de 2 años de edad, que en vez de
hablar produce efectos sonoros y sonidos. Su primera “palabra” es “boing boing”, esto le
conlleva problemas a niveles familiares y sociales, hasta que un día al borde de la
desesperación Gerald conoce a un dueño de una estación radio, que busca quien haga los
efectos sonoros en cada emisión, en ese momento su vida y la percepción negativa que
tenían sus padres y él mismo sobre su "condición" cambia para bien.

Capturas del cortometraje:




Oscar a cortometraje animado 1950

El proyecto recibió el premio Oscar en la categoría a mejor cortometraje animado en
1950, compartiendo nominación con Jerry's Cousin de Fred Quimby y Trouble Indemnity
de Stephen Bosustow.


Mr Magoo, Trouble Indemnity- 1950 _ Jerry's Cousin, Fred Quimby-1950.


cabe mencionar que estos premios tienen la categoría de mejor corto animado desde
1932, solo 4 años después de otorgar premios a categorías como Director, actor y actriz en
1928,  más que interesante dato, denotando a mi manera de ver la importancia,
reconocimiento y mérito que este tipo de técnica - la animación - era ya para la época.

¿Quien creo a McBoing boing?

United Productions of America (UPA).


(UPA) fue un histórico estudio de animación estadounidense. Conocido por la creación
de personajes como el Dr. Magoo y también por crear la primera adaptaciones de
Dick Tracy.




¿De dónde vino la idea?

El cortometraje Mcboing boing es una adaptación de una historia hecha por Theodor
Seuss Geisel (1904-1991), conocido como Dr. Seus, escritor y caricaturista estadounidense.




La banda sonora estuvo compuesta por Gail Kubik(1914-1984), fue un compositor,
director musical, violinista y maestro estadounidense.

 


Aportes estéticos y narrativos de Mcboing boing

Con McBoing boing la UPA se destacó como uno de los estudios de producción más
vanguardistas, uso de una estética moderna y altamente estilizada, es esos apartados la
UPA era visualmente muy atractiva. Personajes muy entretenidos y entrañables, además de
integrar nuevos matices a la hora de crear y contar historias.

Fue una revelación para su época, con un estilo plano y modernista que reflejaba la
artificialidad de la caricatura, distanciandose del dibujo realista de Walt Disney. Su temática y
su manera de ser representada era también diferente a la “violencia” directa y explícita de
los dibujos de la MGM Tom y Jerry y los de la Warner Bros.


Se ve en pantalla una vitalidad inmediata y dinamismo, aún cuando sus dibujos y
escenarios parecieran a veces apenas bosquejados. Otra de sus particularidades son los
fondos abiertos, sin paredes, con apenas una perspectiva sugerida. Sus líneas son sólidas
pero muy fluidas. Se resalta ver como el cambio del personaje a lo largo del corto va
conforme a sus movimientos, en los momentos de alegría y de tristeza.


McBoing boing auparía a la UPA a una década dorada, convirtiéndose en el estudio de
animación más nominado, recibiendo elogios incluso más que la Disney, Warner Bros y
MGM.

Para 1956, la cadena estadounidense produciría una serie de televisión animada llamada
The Gerald Mcboing boing show, para el 2005 se creo una nueva serie llamada Gerald
Mcboing boing por Cookie Jar Entertainment.



Fuentes:
https://www.wired.com/2012/03/gerald-mcboing-boing/
http://theretroset.com/saturday-morning-cartoons-gerald-mcboing-boing-1950/
https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:%C3%93scar_al_mejor_cortometraje_animado

Primera animadora en un estudio estadounidense.

Cuando se habla de animación, aunque esta se presenta al rededor de todo el mundo, uno de los grandes referentes de la animación como la conocemos ahora y de los que todavía tienen mucho poder en esta industria es Estados Unidos. Y como en todas las partes del mundo, incluso en la actualidad, la mujer tuvo mucha exclusión incluso en el gremio de la animación.

Al principio la mujeres eran solo aceptadas en el proceso de "inking and painting", no porque ellas no quisiera o intentaran unirse a otra área sino porque los mismos estudios no las dejaban, y sus excusas llegaban desde que era un "trabajo de hombres" a que si ellas decidían hacer este tipo de trabajos, luego decidían "casarse y tener hijos".

Por eso Lillian Friedman Astor es un nombre muy importante en la historia de la animación, pues fue la primera mujer que llego a ser animadora en un estudio estadounidense, Fleischer Studio. Aunque no fue aceptada en Disney, consiguió un trabajo el 1930 como entintadora en Fleischer, y gracias a que estuvo acompañada y guiada por James "Shamus" Culhane, pudo ascender al trabajo de inbetweener (secretamente y sin aparecer en los créditos), hasta que en 1933 logró ser animadora.




Podemos ver sus animaciones en diferentes productos, aunque en muchos no tiene créditos, estos son algunos en lo que si aparece su nombre

  • Betty Boop's Prize Show


  • Betty Boop Making Stars



  • Betty Boop Pudgy Takes a Bow-Wow
  • Pudgy and the lost kitten



Estos son varios de las animaciones que hizo, aunque en los créditos de el producto completo no aparezca en todos 





Bibliografía:


-https://www.youtube.com/watch?v=rVFo1Am1vIs
-https://las6delatarde.wordpress.com/2015/10/17/mujeres-en-la-animacion-parte-1/

HOT DOG (1930)

HOT DOG (1930) Cortometraje animado de los estudios Fleischer Hot Dog es el cuarto cortometraje de la serie Talkartoons de los Estu...